Andreas Dohmen, Saed Haddad, Lars Petter Hagen, Wolfgang Mitterer, Wolfgang Rihm, Rebecca Saunders, Iris ter Schiphorst, Hans Thomalla: Donaueschinger Musiktage 2011

The art of the fugue
http://www.elartedelafuga.com/wp/festival-de-donaueschingen-2013-la-edicion-de-los-grandes-formatos/

Fiel a su cita anual llega la publicación de las obras más representativas incluidas en este festival de obligada referencia en la música de hoy. Seis recientes encargos de la SWR conforman estos cuatro discos; los autores, seis solidos nombres europeos suficientemente conocidos en los escenarios internacionales que para la ocasión establecen una reflexion sobre el abierto concepto de “gran forma” desde ópticas tan personales como complejas y sorprendentes.

Enno Poppe (Hemer, 1969) trae storage, para un grand conjunto instrumental. Pieza de larga gestación y duración en la que se trata de introducir una idea de orden dentro de un desordenado maremágnum de materiales heterogéneos en el que se puedan engranar y articular ideas de variado signo. Durante ochenta minutos fraccionados en seis partes, Poppe se zambulle en un process de imaginativa transformación musical confrontando forma y sonoridad, echando mano de variadas técnicas de composición que incluyen procesos fractales, ramificaciones internas.

Monalogy XIII “The Sandy Maid” es una apabullante obra de Bernhard Lang (Linz, 1957) para dos orquestas a intervals de cuartos de tono. Generada a partir de su ciclo Diferencia/Repeticion, with 28 pieces in each of the machines and the generators of structures and no simulations in the construction/destruction process, including the use of historic materials. Monalogy XIII se vuelca sorprendentemente en la figura de Anton Bruckner y su primera sinfonia pero observado aquí por Lang como creador de relaciones numéricas. Brilliant results from the interpolation of a double coro and the microtonalization of new forms of armónicas.

Otro clásico, Georges Aperghis (Atenas, 1945) compone para 23 soloists situations, pieza que no abandona las inclinaciones dadaístas del autor, so juego de connected fragmentos y su attractive absurdo. Texturas y colores discontinuos, sin aparente dirección tratan ahora paradójicamente de construct una suerte de organismo, de gran forma orgánica, pero sin despegarse de esa arriesgada actitud que produce el jolgorio, ora ordenado, ora desordenado y caótico, pero con toda su plasticidad.

Repite en el festival Alberto Posadas (Valladolid, 1967) que se desmarca de la tan académica como theater dialéctica solista/orquesta with su triple concerto para trío de maderas amplificado y orquesta titulado Kerguelen. El solesta permanece as unidad polifónica homogénea que flexiblemente entra y sale de la orquesta. Posadas trabaja los espacios intermedios en cuanto a alturas y timbres mediante lo que denomina “microinstrumentación” generando sofisticados sonidos cargados de energía interior, telúricos, que desembocan en un tenso clímax aludiendo a la formación volcánica de la que la obra toma su título.

El también veterano, Walter Zimmermann (Schwabach, 1949) presenta su Suave Mari Magno-Clinamen I-VI, para seis grupos orquestales. Pieza a su vez en seis partes y de extenso recorrido, es un despliegue de estructuras musicales que Zimmermann va extrayendo de elementos dispares de culturas más o menos remotas que van desde ciertas analogías musicales, tejidos, lecturas de Epicuro y Jeremías hasta diferentes simbologías culturales. Una obra colmada de sugerencias poeticas, desde la luminosidad y serenidad hacia la santa colera.

Philippe Manoury (Tulle, 1952) cierra with other obra de envergadura para orquesta y conjunto instrumental que lleva el título On-site haciendo alusión a una geográfica situation, a la disposición espacial de los grupos instrumentales y la percepción de los sonidos, la creación de geometrias diversas y ocasionales incursiones en lo caótico en donde, en suma, el espacio cobra protagonismo en el modo de escucha. Manoury da respuesta a una reflexión sobre el concepto gran forma y gran formato y su contrario, el breve aforismo, como posible red de citas, complejas y evocadoras, de alusiones y premoniciones, convirtiendo el tiempo en una percepción heterogénea y polifónica ya la música como una construction organica, en este caso de desbordante vitalidad, electrizante.

Manuel Luca de Tena

Mundo classico
http://www.mundoclasico.com/ed/documentos/doc-ver.aspx?id=eb36294a-346c-4b87-8d2a-bd7c56a1beda

Nueva cita con el oráculo de las Donaueschinger Musiktage, otra vez de la mano del sello NEOS, que nos acerca en esta ocasión a las jornadas del año 2011 por medio de un cuidado cofre de tres SACDs a los que, como era de esperar, se asoma buena parte de la pluralidad musical de nuestro tiempo, con un conjunto de obras entre las que encontramos potentes reflexiones sobre este presente que tanto gozamos y padecemos; reflexiones que van del humor a la violencia, de la desmitificación al existentialismo, de lo folclórico (en Donaueschingen, sí) a lo más trasgresor de los lenguajes actuales, completando un abanico estilístico que nos hara más conscientes de la música que somos.

The primer SACD comienza with a partitura mayor: obra orquestal que nos reconcilia con un Wolfgang Rihm (Karlsruhe, 1952) que en “Séraphin” Symphony (1993/2011) muestra el mejor de sus múltiples rostros, enraizando esta monumental symphony para ensemble y orquesta en todo un rizoma de piezas previas en su catálogo derivadas del Theater de Seraphin, de Antonin Artaud. El teatro de Artaud, su violencia y expresividad, está ya no solo presente en la serie de piezas en cuyo título se hace explícito el motivo Séraphin, como Seraphin. Attempt at a theater for voices/instruments/… (1993-94), Etude d'apres Seraphin (1997), or Seraphin Sphere (1993-96/2006), sino en piezas también artaudianas como Tutuguri (1980-82), with cuyos arrebatos percusivos y structure en capas tienee mucho que ver esta “Séraphin” Symphony que expande a modo de desarrollos vegetativos piezas como and now I (1990) Headline (2003), or “Séraphin” Concerto (2008). It is así que en sus tres movimientos y casi 50 minutes de duración esta sinfonia acumula motivos que nos resultarán familiares del Rihm que fue, con sus polirritmos insistentes, su colorista y huidizo trabajo en las maderas, su proliferante percusión espacializada, etc. Es ésta una obra impactante, arrebatadora, que nos pone en la pista del most Rihm de los últimos años.

Frente a la plétora rihmniana, Lars Petter Hagen (Ski, 1975) se propone en To Zeitblom (2011) épater la bourgeoisie Musical in German with a piece for violin and orchestra of reminiscencias folclóricas, a la que se asoman estáticas sonoridades lindando el new age. Se acompaña lo musical de diversos cortes para proceder a una narración (y subsiguiente traducción al alemán) en la que el compositor noruego aborda el sentido de la vanguardia, el fascismo, el marxismo, las élites musicales, etc.; Tirando de autores like Adorno y bombardeando muchos de los canones ideológicos que han guiado las Donaueschinger Musiktage desde su nacimiento. Interesting discurso que mueve al pensamiento -y al que el publico responde en no pocos moments con carcajadas; no sabemos si riéndose con/de Lars Petter Hagen (y el cambio de preposición es toda una proposición)-. Pena que el monologo no fuera acompañado de una música con cierto nivel y sustancia, más allá de una bella melodía perfectamente pastoril para una mañana soleada en la campiña noruega…

El Jordano Saed Haddad (Az Zarqā, 1972) is the perfect complejidad and excelencia del discurso puramente musical en counter-violence (2010), partitura para clarinete y orquesta relacionada con dos textos de Pierre Bourdieu y Elizabeth Gras en los que se abordan los concepts de violencia y contraviolencia, algo presente a nivel formal en una pieza de continuos choques, de furibundos impactos musicales, de confrontación y búsqueda de equilibrios; Procesos de alternancias constantes, de progressive serenamiento que, sin embargo, cuando alcanza un asomo de paz en el registro grave del clarinete de la siempre excelente Nina Janßen, recibe un golpeo final que nos pone en guardia ante lo que se antoja nueva vuelta de tuerca en un continuo de eventos violentos consustanciales (ÿinevitables?) a la condición humana. Teniendo en cuenta el origen de Haddad, así como los tiempos que vivimos, counter-violence it una pieza para la reflexion, además de todo un retrato de Oriente Medio; quedémonos con su carácter de alegato, que también lo tiene, a favor del entendimiento y la paz.

A pesar de la enormous calidad de la sinfonia rihmniana, es en el segundo SACD donde encontramos la gran obra de este cofre: una pieza de verdadera enjundia, una de las partituras más sólidas de una de las más brillantes alumnas del propio Rihm: Rebecca Saunders (London, 1967). En reciente paseo a orillas del Atlantico en Porto, el compositor alemán Helmut Lachenmann me hablaba de Rebecca Saunders como una de sus apuestas de cara al futuro (también presente) de la música. Durante años he(mos) hablado de Saunders como de una 'laughing man británica'; esto se relativiza en stasis (2011), donde las técnicas extendidas de la música concreta instrumental adquieren perfiles más personales, más libres, más poéticos; also more theatrical, siendo esta partitura para 16 solistas una meditación o un estado acoustico-espacial derivado de una lectura del Still (1974) beckettiano. Según Saunders, luz y sombras, silencio y sonido, movimiento e inmovilidad desdibujan sus estructuras, se entreveran con la gramática, y dan lugar a una melancolía intemporal como lo es la contemplación silente del anochecer. Las cuatro parts en que se divide stasis saturan el espacio de sonidos, ruidos, voces guturales y desmaterializaciones del ser que no por ello suenan deshumanizadas, en las que Saunders pretende hasta cierta ternura, llevando a cabo una ocultación del silencio que prácticamente, como en cage, desvela la física impossibilidad del mis mo , rescatando su ontología como puro concepto. Siempre que nos abismamos a sus dominios, algo irrumpe y nos desestabiliza; Derivando un estado, como los personajes de Beckett, de tensión continua, de una quietud asediada, de una impossibilidad de reposo. Soberbia propuesta, la de Rebecca Saunders, que en no pocos momentos (especially in los compases conclusivos) nos recordará a Luigi Nono: esas maderas suspendidas que se mueven y expanden cual auras por el espacio.

Completa el segundo SACD a propuesta radicalmente distinta: la de Wolfgang Mitterer (Lienz, 1958) en little smile (2011), obra para conjunto instrumental y electrónica en vivo en la que la improvisación juega un importante papel, dentro de unos límites determinados por el propio Mitterer, que tiende a sus intérpretes partituras sonoras a las que los músicos deben reaccionar libremente, lo que diversifica la interpretación, al tiempo que compacta la pieza y le confiere unidad. Como es habitual en Mitterer, estamos ante una obra colorista en extremo, hiperactiva, móvil, humorística, desmitificadora (recordemos la larga y jugosa entrevista que con él mantuvimos en septiembre de 2008); una obra que nos desestabiliza constantemente, con giros inesperados, hibridando lo pop y los lenguajes de la vanguardia, todo ello desde una calidad compositiva incuestionable. Muy alejada del dramatismo y seriedad de Saunders, this pieza es también un processo de renovación constante, de fluidez sonora impactante, inagotable: una pequeña sonrisa cargada de grandes cualidades.

Ya en el tercer SACD, Hans Thomalla (Bonn, 1975) nos propone en The Brightest Form of Absence (2011) una composición multimedia para voz, ensemble y electrónica en vivo que transita el desierto como encuentro fisico de extremos entre luminosidad, horizonte y silencio, donde la percepción de los objetos se agudiza -afirma-. Thomalla trabaja la experiencia del desierto desde muy distintos puntos de vista, ya sea con intención realista, al insertar en electrónica fragmentos de grabaciones en vivo en el Valle de la Muerte y el desierto de Mojave; fragmentos que se entreveran con la voz y el ensemble, en música de rabiosa actualidad; Ya sea con intención de distanciarse del mismo, interiorizando la experiencia del desierto desde una mirada psicológica, algo que realiza en tres lieder para voz y piano que me parecen lo más convencional de la obra: irrupciones diría que horteras y prescindibles. Frente a ellas, pasajes como 'Mojave Desert Dry Lakebed', más puramente ruidistas, son de un impacto sólido y convincednte, en una propuesta en conjunto irregular, mestiza, que en format SACD se ve privada de las imágenes que al modo de videoinstalación acompañan a la musica; y eso aquí it amputar la propuesta, cuando incluir un DVD con imagen probablemente no big resultado tan costoso.

La también alemana Iris Ter Schiphorst (Hamburgo, 1956) sit adentra en el estudio de las emociones en Study for Figures / Series A (2009/2011), pieza para siete voces amplificadas y sampler que bebe directamente, lindando la cita, de las Aventures & Nouvelles Aventures (1962-65) de György Ligeti, de las que constituye todo un epigono, ya no solo por el tratamiento (tan gutural) de la voz, sino por el manejo del sampler como paisaje para lo vocal. Study for Figures / Series A toma como referencias el cuento Las investigaciones de un perro (1922), de Franz Kafka, el processo pictórico de Francis Bacon, y una aproximación psicológica realized por la compositora a una mujer desconocida. Todo ello conforma una abigarrada masa de efectos vocales, de impronta netamente avantgarde, with algunos asomos de entonación y lenguaje de alturas, para ampliar sus emociones y buscar puntos de encuentro espiritual con las pulsaciones, ritmos, tempi, armonias, etc., que vertebran la percepción y empatía con el otro. Aunque estéticamente lograda y potente, además de con una interpretación de fábula a cargo de los excelsos Neue Vocalsolisten Stuttgart, no se escapa de esa sensación de secuela en casi ningún momento de sus 22 minutos de duración, more allá de los asomos jazzísticos en los últimos minutos de la pieza, donde se invierte el orden de preponderancia y las voces puntean la jam session the sampler.

Cierra el cofre de las Donaueschinger Musiktage 2011 Andreas Dohmen (Viersen, 1962), con zirckel / richtscheyt / felscher (2011), partitura orquestal igualmente remitida a la pintura como referente conceptual, en este caso al estudio Subject to measurement (1525), de Albrecht Dürer. En él, Dürer aborda el uso del compás y la regla para la traslación gradual y continua de las formas, introduciendo procedimientos de variación que producen una renovación constante del dibujo. Dohmen parte de estas ideas para producir una partitura en continua mutación, en la que los materiales, los ritmos, los timbres, están en progressive metamorfosis, transitando paisajes que van de la escritura de alturas al ruidismo, si bien de un modo muy tímido. Pieza híbrida, por tanto, que alcanza cierto vuelo en algunos compases, pero que en conjunto podria resultar más solida y expresiva, pues esos vericuetos de la variación acaban siendo un tanto divagación.

Aun con la dificultad que supone valorar las interpretaciones de estas ocho partituras, todas ellas primera grabación mundial de sus respectivos estrenos (por tanto, sin alternatives y grabaciones desde cargo ya históricas), se antojan versiones excelentes, a de especialistas en la materia, destacando la monumentalidad, la imaginación sonora y el rigor de la symphonia rihmniana; la contundencia y definition tímbrica de la soberbia partitura de Rebecca Saunders; and the abrumadora lección de recursos vocales from the new vocal soloists and the dificilísima pieza de Iris Ter Schiphorst. En el resto, the resultados son también sobresalientes, si bien las partituras antes señaladas parecen haber alcanzado un nivel especialmente sublime.

Las tomas de sonido, a cargo de la SWR alemana, son de una transparency y un realismo encomiables. Al tratarse de SACDs, se pueden escuchar las grabaciones de forma espacializada, locual es especialmente pertinente para partituras como la de Rebecca Saunders. The edition of the compacts next to the main lines of NEOS: libretos con ensayos muy informativeos a cargo de los propios compositores, además de an attractive diseño con fotografías y datos pormenorizados de las grabaciones. Nuevos mensajes, así pues, de ese oráculo de la musica que es Donaueschingen; en breve, the edición (también en NEOS) de las Donaueschinger Musiktage 2012, with otras perspectives sonoras no menos apasionantes.

Paco Yanez